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Los directores mas famosos

Los directores mas famosos

Cada generación da a luz a sus propios ídolos, tanto en política como en arte y música. Hablemos de 15 de los cineastas más influyentes en toda la historia de la humanidad, que hicieron la mayor contribución y dejaron la marca más llamativa en la historia de este campo de la creatividad.

Y hoy sus obras maestras siguen siendo queridas por millones, porque en un momento volvieron las mentes de muchas personas, demostrando nuevas posibilidades y profundidad del arte favorito de todos: el cine.

Alfred Hitchcock (1899-1989). La fama mundial y la popularidad de Hitchcock trajeron sus pinturas "Ventana al patio", "Rebecca", "Mareos" y otros. Fueron ellos quienes permitieron que el director fuera considerado un verdadero "Maestro del Horror". La mayoría de las pinturas de Hitchcock son thrillers. La demostración de lo que está sucediendo desde el punto de vista del personaje principal se ha convertido en la técnica favorita del director, es a través de sus ojos que el espectador puede observar la escena. El director prestó mucha atención al sonido: el uso de efectos inesperados permitió mejorar la impresión de lo que estaba sucediendo en la pantalla. Alfred Hitchcock ha dirigido 65 películas y se ha convertido en una leyenda del cine vivo. Las películas "Birds" y "Psycho" se han convertido en verdaderos clásicos del terror. En 1967 recibió un "Oscar honorario", "Premio conmemorativo Irwin Thalberg", pero Hitchcock nunca recibió un verdadero Premio de la Academia por su director. El director también es conocido por sus cameos: apareció en pequeños episodios en todas sus películas posteriores.

David Wark Griffith (1875-1948). Hoy, pocas personas generalmente recuerdan las tramas de las pinturas de Griffith, pero él entró para siempre en la historia del cine, como el creador del cine moderno. David llegó a la conclusión de que la base de cualquier película debería ser la trama y la técnica para su presentación. El trabajo de este director ha hecho del cine un tipo especial de arte. La mayor parte de las películas de Griffith son cortometrajes. Filmó más de 450 películas pequeñas. En colaboración con Billy Bitzer, el director introdujo nuevas técnicas de filmación: edición cruzada, paralela y corta. La corona de la carrera de Griffith fue la película "El nacimiento de una nación", que cambió toda su vida. La pintura tenía un marcado sabor racista, los miembros del Ku Klux Klan fueron exhibidos en ella como héroes. Sin embargo, los espectadores caminaron en masa al cine, y la cinta finalmente fue prohibida en ocho estados estadounidenses. En 1935, la American Film Academy otorgó a Griffith un Oscar por su contribución al desarrollo del cine.

Orson Welles (1915-1985). Las innovaciones de Griffith fueron refinadas por Orson Welles. El director entró al cine después de que su obra de radio "War of the Worlds" causó una impresión impresionante. Fue entonces cuando RKO Pictures le ofreció un contrato. Como resultado, Wells dirigió la película Citizen Kane, que más tarde fue nombrada la mejor película de la historia. Incluso para el cine actual, la técnica utilizada entonces parece moderna. El director continuó su trabajo en Europa, en un intento de encontrar algo nuevo. Un rasgo característico del maestro fue el uso de espejos y sombras en las películas. El papel de Wells en la historia del cine difícilmente puede sobreestimarse; es uno de los directores más ingeniosos que han tenido una influencia notable en el desarrollo de este arte.

Jean-Luc Godard (nacido en 1930). El más famoso de la nueva ola francesa en el cine. Su cuadro "In the Last Breath" es considerado por muchos como el primero en la historia del nuevo cine. El director violó valientemente las reglas de tiro existentes. Utilizó una cámara de mano y luz natural, lo que le dio a los eventos una impresión de espontaneidad y documental. Pero los actores en Godard constantemente miran directamente a la cámara, y las escenas son nítidas. Esto le da al espectador la oportunidad de comprender que la imagen no es documental, sino artística. El funcionamiento de Godard se refleja con mayor precisión en su frase más famosa: "La película debe tener un principio, un medio y un final, pero no necesariamente en ese orden". El trabajo del director desempeñó un papel importante en la formación de la joven cinematografía de los países de Europa del Este, África y América Latina en los años 60. Jason Cliton de Open City Pictures describe con precisión el papel de Godard en el arte: “En el cine contemporáneo, Godard desempeña el mismo papel que Picasso en el arte contemporáneo: el papel de un temerario imprudente, un pionero y un hombre que no tiene miedo a nada, que quiere probarlo todo. y para el que no hay restricciones ".

John Ford (1884-1973). El único director que ha ganado cuatro premios Oscar. Además, Ford también fue escritor. El director se ha mostrado con éxito en cinematografía silenciosa y sonora, dejando un rico legado artístico. Según muchos, su pintura más famosa fue "Los buscadores". Westerns "Stagecoach" y "The Man Who Shot Liberty Valance" son icónicos en su género, pero Ford no se limitó a este tema. Filmó la novela de Steinbeck "Las uvas de la ira", hizo la película "El hombre tranquilo" y probó suerte en el documental. Sus películas "Battle for Midway" y "7 de diciembre" también fueron muy populares entre los espectadores y los críticos. Ford también se hizo famoso por su amor en el cine por los disparos a larga distancia. En total, el director filmó alrededor de 130 películas, prestando la mayor atención a los siguientes temas: Irlanda, la patria de sus antepasados, el desarrollo de Occidente y la vida cotidiana del ejército estadounidense.

Stanley Kubrick (1928-1999). Fue uno de los cineastas más influyentes del siglo XX. La mayoría de las películas del director son adaptaciones cinematográficas, en las que Kubrick demostró tanto destreza técnica como un nuevo enfoque para contar historias en general. Sus películas están impregnadas de ingenio sutil. Kubrick buscó saturar películas con una amplia gama de emociones, lo cual es un truco bastante difícil para cualquier director. Las personas que miran sus películas pueden reír y llorar por lo mismo. El espectador se convierte en cómplice de la película, experimentando a la par con los personajes principales. Al director le gustaba usar metáforas en sus películas, por lo que a veces la comprensión de la verdadera intención se produjo solo después de unas pocas vistas. Stanley Kubrick se probó en varios géneros; además de las adaptaciones cinematográficas, su biografía incluye películas de terror y psicológicas. La singularidad del trabajo del director lo coloca por encima de cualquier género en particular, sus películas han creado su propio nicho creativo separado: películas de Stanley Kubrick.

Sergei Eisenstein (1898-1948) logró filmar solo 7 películas, pero su trabajo tuvo una influencia invaluable en el cine moderno. Una de las películas más impresionantes de todos los tiempos fue su "Battleship Potemkin". La técnica innovadora del director se utilizó en sus otras películas, pero fue esta cinta la que le permitió tomar su lugar junto con Wells y Griffin entre los principales innovadores del cine. Eisenstein tiene muchos seguidores, el más famoso de los cuales es Alfred Hitchcock.

Charlie Chaplin (1889-1977) se convirtió en la primera superestrella de Hollywood. Sin embargo, sus éxitos están asociados no solo con la actuación, sino también con la dirección. Todas sus pinturas reunieron casas completas, las películas de Chaplin sin palabras hicieron posible que las personas sintieran toda la gama de sentimientos. El tema de las películas del director fue bastante diverso: tocó temas sociales y políticos. Aunque la película muda pronto dio paso al sonido, la técnica y los gestos de dirección de Chaplin tuvieron una profunda influencia en el cine. Woody Allen y Lloyd Kaufman se destacan entre los seguidores del director.

Federico Fellini (1920-1993) fue quizás el cineasta italiano más famoso. Su género se llamaba neorrealismo. Al principio, Federico era un simple guionista y ayudó a otra leyenda del cine italiano, Roberto Rossellini, en las películas Countryman y Rome - Open City. La mayoría de las películas de Fellini reflejan sus propios sueños, no la dura realidad. Muchos intentaron aportar simplicidad al cine, pero fueron las imágenes de este italiano las que lograron cautivar a millones de espectadores de esta manera. Fellini creó su propio estilo inimitable y único, entrando con él en la tesorería del cine mundial. Su película clásica, La Dolce Vita, primero atrajo a la prensa enojada por su fiel representación de la sociedad moderna. Pero más tarde, la película se convirtió en un símbolo de una gran era en el cine italiano, sentando las bases para la colaboración del director con Marcello Mastroiani.

Steven Spielberg (nacido en 1946) introdujo el concepto de éxito de taquilla, que apareció con el lanzamiento de la película "Tiburón". Hoy es Spielberg quien es el director más exitoso, filmando la mayor cantidad de películas de gran presupuesto. Sus películas ya se han convertido en clásicos, es suficiente recordar "Indiana Jones", "La lista de Schindler", "Parque Jurásico". En 1999, Spielberg fue reconocido oficialmente como el mejor director del siglo XX, y en 2001, la reina Isabel de Gran Bretaña lo nombró caballero por su inestimable contribución al desarrollo de la industria cinematográfica británica. Steven Spielberg es el director con mayor recaudación en la historia del cine: sus películas han recaudado casi $ 9 mil millones. Es curioso que los intentos del director novato de ingresar a la escuela de cine de la universidad fueran rechazados con un currículum: "Demasiado mediocre".

Martin Scorsese (nacido en 1942) es el representante de la "nueva generación" que surgió en Hollywood en los años 70. Este es uno de los pilares del cine moderno, fue capaz de elevar el concepto de agresión y sexo a un nuevo nivel más alto. Scorsese no es un agitador de la violencia, simplemente lo adorna exquisitamente. La escena del boxeo en la película "Raging Bull" se ha convertido en una de las más espectaculares y emocionantes de la historia. Scorsese prefiere llenar sus cintas con drama y pruebas de vida. Sus películas a menudo se basan en hechos reales. El director tiende a usar a sus actores y asistentes favoritos una y otra vez.

Akira Kurosawa (1910-1998) dejó una marca significativa en la historia del cine mundial. Baste mencionar sus películas, que se convirtieron en la base de las películas de Hollywood: "Seven Samurai" ("Los siete magníficos"), "Bodyguard" ("Por un puñado de dólares") y "Tres sinvergüenzas en una fortaleza oculta" ("Star Wars"). Aunque Kurosawa filmó sus pinturas en Japón, su popularidad en su tierra natal fue menor que en todo el mundo. Los compatriotas criticaban constantemente las pinturas de Akira, y para todo el mundo se convirtió en la persona que mostró una cultura original interesante al mundo entero. Las películas de Kurosawa están llenas de puntos de vista filosóficos, y también logró acercar la cinematografía de Oriente y Occidente.

Ingmar Bergman (1918-2007) creó una serie de obras maestras favoritas del público, con la ayuda de la actriz Liv Ullman y el cineasta Sven Nykvist. La mayoría de las pinturas de Bergman eran autobiográficas, el director, con sus películas, contó cómo la vida de una persona depende de una serie de circunstancias diferentes. Ingmar utilizó hábilmente la introspección para crear pinturas memorables. Bergman no reconoció los efectos especiales, y la luz era su herramienta técnica favorita. Fue con su ayuda que se demostraron las emociones de los actores y se revelaron sus secretos más ocultos. El tema principal del trabajo de Ingmar es una persona sola y la búsqueda de verdaderas relaciones humanas. Bergman también actuó en paralelo como director de teatro, escenificando obras de Shakespeare y Chekhov.

John Cassavetes (1929-1989) es ampliamente considerado como el fundador del cine independiente estadounidense. Cassavetes comenzó su carrera en esta industria como actor y usó el dinero ganado para dirigir su película debut "Shadows". En él, no se utilizó ningún guión, y la imagen está dedicada a una serie de temas prohibidos para ese momento, incluidas las relaciones interraciales. Ver el trabajo de Cassavetes requiere mucha paciencia. El propio director nunca enseñó a los actores cómo actuar, lo que les permitió ser lo más naturales posible. Este enfoque permitió al director crear las imágenes más realistas. Cassavetes fue una gran influencia en Godard, Scorsese y Rivette, quienes más tarde desarrollaron sus ideas.

Billy Wilder (1906-2002) se convirtió en uno de los directores y guionistas más populares de Hollywood, aunque nació en Austria y no hablaba inglés hasta que llegó a Estados Unidos en la década de 1930. Pocos lograron repetir el éxito del brillante director. Casi hasta su muerte, Wilder fue a la oficina, creando nuevas ideas. Sus películas "Sunset Boulevard", "Lost Weekend", "The Apartment" son amadas por los espectadores de todo el mundo. La trayectoria del director incluye más de sesenta películas y 6 Oscar. Las claves del éxito, Wilder consideró un guión bien pensado, líneas bien dirigidas y aforísticas. El director se hizo famoso como el mayor maestro de comedia estadounidense, su película "Only Girls in Jazz" encabezó la lista de las mejores comedias. Sin embargo, Wilder a menudo recurrió a temas atípicos para Hollywood: prostitución, campos de concentración, alcoholismo y la falta de sentido de la vida.

Ver el vídeo: La máquina de escribir. L. Anderson. Dir: Miguel Roa. Máquina de escribir: Alfredo Anaya (Octubre 2020).