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Los directores mas locos

Los directores mas locos

Ser director no es fácil, pero es un trabajo extremadamente interesante. Y los trabajos de los mejores directores son vistos y discutidos por millones de espectadores de todo el mundo.

Para tener éxito en este campo, debe ser un verdadero individualista, centrado en los resultados. Los mejores directores son los verdaderos maníacos que, con el deseo de realizar su visión, trascienden todas las leyes del género y hacen lo que les parece mejor.

Por supuesto, también necesitas talento para que las películas sean de muy alta calidad. En la historia del cine, ha habido muchos directores realmente locos, con una lista con la que le sugerimos que se familiarice.

Howard Hughes (1905-1976). Howard Hughes es difícil de clasificar entre los mejores directores, pero en términos de locura creativa, no era igual. Bastantes historias sobre los últimos años de su vida: Hughes se dejó crecer el pelo hasta la cintura, vivió un recluso semidesnudo en un ático, orinó en botellas y las alineó a lo largo de la pared. Es cierto que el petrolero, millonario, aviador y director de fotografía fue considerado un loco incluso antes de eso. Todo comenzó en 1927, cuando Hughes vio las Alas de Wellman. Esa cinta incluso ganó un Oscar. Pero el millonario de alguna manera decidió que podía hacer una película aún mejor. Hughes creó Wings of Hell por dinero loco. Los principales papeles en la película fueron interpretados por 40 aviones de la flota personal del millonario, mientras que las acrobacias realizadas en el cielo fueron tan peligrosas que durante el rodaje fueron asesinados tres especialistas. La película se convirtió en un evento, pero ni siquiera valió la pena comercialmente. Pronto el magnate fundó su propio estudio "RKO", donde todas sus psicosis y fobias florecieron al máximo. La película de Scorsese "El aviador" habla de ello. E incluso si Hughes no fuera nominalmente el director de todas las películas del estudio, su influencia se siente en todo lo que se produjo allí en los años 40-50. Así, por ejemplo, en la película de 1957 "Jet Pilot", el millonario pulió personalmente las escenas en las que la aviación estuvo ocupada durante siete años. Solo entonces lanzó la película, y la opinión del director en realidad no interesó a nadie. La etapa más alta de la locura de Hughes fue la negativa del piloto a realizar acrobacias aéreas peligrosas en "Hells Angels". Entonces Hughes se sentó personalmente al timón del avión, pero no pudo salir de la inmersión, condujo el automóvil al suelo. Y aunque el millonario recibió muchas lesiones y casi perdió el ojo, al día siguiente ya estaba, como si nada hubiera pasado, en el set.

Cecil B. DeMille (1881-1959). El director a menudo es retratado como un tirano de la película con un megáfono en sus manos. Esta es exactamente la imagen que encarnó Cecil Blount DeMille. Una vez le dijo a todo el equipo de filmación que su objetivo era complacer al propio director, y que todo lo demás no era importante. Un día, mientras discutía con el jefe sobre gastar en extras para una escena de batalla, Cecil sugirió seriamente cargar balas reales en las armas. Después de todo, ¡fue posible reducir el gasto! Cuando en el set del actor de "Sansón y Dalila", Victor Mature se negó a luchar contra el león sin dientes, el director calificó al hombre de "cobarde lamentable". La actriz Paulette Goddard nunca más colaboró ​​con DeMille después de negarse a protagonizar la escena de fuego que amenaza la vida en "Undefeated". Es cierto, para crédito del director, vale la pena señalar que nunca pidió a sus actores que hicieran lo que él no podía hacer. Ya a la edad de 73 años, DeMille subió a una altura de 40 metros durante el rodaje de Los Diez Mandamientos para verificar la correcta instalación de la cámara. Y aunque el hombre recibió un ataque al corazón por esto, apenas se recuperó y volvió a filmar una semana después. En una de sus películas, DeMille decidió filmar el tiroteo con la mayor precisión posible. Y para esto decidió usar balas reales. Cuando los actores insinuaron el peligro, el director dijo: “¡Bueno, por supuesto! Pero esta es una película, ¿cómo podemos engañar al público? ¡Todo debería ser real aquí! "

John Ford (1894-1973). El director está orgulloso de no haber asistido a ninguno de sus tres Oscar. La primera vez prefirió pescar, y la tercera se emborrachó. El colega de Ford, John Capra, lo llamó mitad santo y mitad demonio. Este irlandés era un tirano, lo que no le impidió seguir siendo un genio. Todos confiaban en Ford con quien trabajaba, pero él mismo exigía una mayor atención. Con los actores, habló como con sus parientes. Podía estar con ellos cariñosos y generosos, o un tirano, como un cabeza de familia borracha. John Wayne, el director solo con el propósito de educar, pesaba esposas en el culo. Y él hizo llorar a Henry Fonda con sus maldiciones en el set de Fort Apache. Maureen O'Hara, por capricho del director, golpeó a John Wayne con tanta fuerza en la pelea de The Quiet Man que se rompió el brazo. Wayne creía que las peculiaridades de todos los cineastas estaban destinadas únicamente a mejorar la habilidad de los actores. No es casualidad que diez de ellos, que trabajaron con John Ford, recibieran una nominación al Oscar. Es cierto que el director también se caracteriza por la caracterización bastante elocuente de Lee vanCleef: "John Ford fue un completo bastardo". Un ejemplo clásico de locura es la historia de Henry Font en el set de Mr. Roberts. Cuando ella señaló los errores al director, ¡él saltó de su silla y golpeó a la actriz en la mandíbula con todas sus fuerzas!

Russ Meyer (1922-2004). Toda la carrera de este extraño director estuvo marcada por una obsesión con los grandes senos femeninos. Incluso solía decir que si no se encuentra la actriz necesaria con tales parámetros, tendrá que jugar a las cartas. Quizás la razón de tal amor por el busto de una mujer radica en la infancia de Russ: su madre lo amamantó casi hasta el primer grado. Las películas del director eran muy sociales, tenían profundos matices filosóficos y presentaban la sexualidad femenina de una manera revolucionaria. Pero el director permaneció en su memoria precisamente por su amor por los senos grandes. Meyer incluso insistió en que en su lápida se escribiera: "Rey de la desnudez, y estaba feliz de hacerlo". Y por primera vez apareció un deseo tan extraño por un director cuando, en medio de la Segunda Guerra Mundial, perdió su virginidad con una prostituta tetona.

John Waters (nacido en 1946). Dicen que si la extrañeza pudiera medirse con un instrumento, entonces Waters simplemente se saldría de escala. Que solo existe su deseo de ser mujer para tener la oportunidad de abortar. John recibió su primera cámara como regalo por 16 años. En él, filmó su primera película con el colorido título "La vieja bruja en una chaqueta de cuero negra". Y después de ser expulsado de la Universidad de Nueva York por beber hierba, Waters regresó a su Baltimore natal. Su amigo de la infancia, un gran travesti Devine, se convirtió en la musa del director. Waters comenzó a escribir, filmar y actuar en películas verdaderamente artísticas, thrash, encantadoras y extravagantes. El director se hizo famoso por el hecho de que en el set de la película "Pink Flamingos" convenció a su amigo Devine de comer excremento de perro. Esto hizo la escena más convincente.

Sam Peckinpah (1925-1984). Sam admitió que toda su vida se sintió como un solitario y un extraño. El director filmó elegías tranquilas sobre personas como él, personas de otro tiempo. La vida de Peckinpah fue una continuación de sus películas, y sus películas fueron un reflejo de la visión del mundo que lo rodea. Pero el director tenía mucho que contar: vio las escenas oscuras de la muerte en los campos de la Segunda Guerra Mundial. En sus películas, esto se ha transformado en una especie de oda a la violencia, que avanza a un ritmo lento. Sam dijo que para él, en esos momentos, el tiempo parecía detenerse. El director luchó incansablemente contra los productores, los actores estrella y los dictados de los estudios. En el set del Mayor Dundee, el director incluso atacó a Charltor Heston con una espada. Todos tenían miedo de interponerse en el camino de Peckinpah, y después de beber, se volvió aún más insoportable. ¿Y si los médicos lo amenazan de muerte si el director no abandona el alcohol? Dijo que ya había hecho su elección a favor del vino. Un ejemplo clásico de lo salvaje en el set de Wild Gang, Peckinpah quería realmente dispararle a un caballo para que pareciera más natural que le dispararan bajo el jinete. Naturalmente, el director estaba borracho en ese momento.

Kenneth Anger (nacido en 1927). El director eligió un seudónimo difícil para sí mismo, porque "enojo" significa "enojo". Se dice que Kenneth decidió tomar ese apellido a la edad de cinco años. Es difícil de creer, especialmente porque al gurú de los cortometrajes experimentales siempre le ha encantado componer fábulas sobre sí mismo, incluso si era una mentira descarada. ¿Cómo puedes creer que a Anger se le ofreció protagonizar la adaptación cinematográfica de 1935 de El sueño de una noche de verano cuando era niño? Las películas pequeñas se han convertido en pequeñas obras maestras, están saturadas de una homosexualidad desenfrenada y compleja, en estos cortometrajes hay una atracción por lo triste y oculto. ¿Cómo podrías pelear con el famoso guitarrista de Led Zeppelin Jimmy Page? Como resultado, Bobby Busolel, miembro de la pandilla de Charlie Manson, escribió la banda sonora de Lucifer Rising. Y como resultado, la música fue escrita en general en la prisión, donde el músico cumplía condena por asesinato.

Edward Wood Jr. (1924-1978). Wood hizo historia en 1980 con el dudoso título de peor director de todos los tiempos. Pero el propio Edward, a lo largo de su carrera, simplemente cerró los ojos ante sus propias deficiencias. Y su "Plan 9 desde el espacio exterior" sigue siendo el horror más increíble que jamás haya llegado a las grandes pantallas. En esta película, el director simplemente tomó y reemplazó a su estrella principal, el actor Bela Lugosi, quien murió en el set, con el médico de su esposa. Wood sintió que la audiencia no reemplazaría la diferencia. El propio director argumentó que la multitud considera locos a aquellos que solo mejoran lo incomprensible para la mayoría.

David Cronenberg (nacido en 1943). El director declaró que no se debe buscar la moralidad en sus cintas, porque es canadiense. Las películas de Cronenberg presentan biomáquinas humanas, moscas mutantes y parásitos reproductivos. Las principales obsesiones del director son la muerte, el sexo y la alta tecnología. Dicen que después de las películas "Mad" y "Convulsiones", el propio Martin Scorsese quería reunirse con su creador para participar en varios proyectos conjuntos. Curiosamente, exteriormente, Cronenberg parece un hombre bonito y agradable, muy inteligente. Pero es capaz, con la ayuda del cine, de arrojar luz sobre todo lo que sucede en los rincones más oscuros de la mente humana. El contraste en sí mismo es una locura: el director bien educado y elocuente filma películas llenas de violencia malsana. En un momento, Cronenberg se negó a filmar "Top Gun", tal vez sea lo mejor, de lo contrario podríamos haber visto personajes principales completamente diferentes.

Michel Gondry (nacido en 1963). Cuando era niña, Michelle tuvo algunos sueños bastante extraños. Una vez que decidió que es muy posible ganar dinero con esto. Hay muchas fantasías románticas en las películas de Gondry que se basan en el tema de los sueños y los recuerdos. Durante muchos años, el director francés grabó sus sueños, tratando de combinar sus imágenes vívidas pero fragmentarias con la realidad. Es posible que simplemente esté filmando sus visiones nocturnas. En las películas, el director usa efectos hechos a sí mismos, usándolos para mostrar puentes lógicos entre las ansiedades y las esperanzas de sus personajes inusuales. Gondry dice que queda mucho por hablar en materia de relaciones humanas. Sin embargo, esto no significa que las emociones se dejen de lado. En sus películas, Gondry intenta mostrar cómo se vuelven las personas cuando se enamoran. La locura para el director puede considerarse un collar hecho de las uñas de un ser querido fallecido, hecho por él para recordarlo.

David O. Russell (nacido en 1958). Según sus colegas, David Russell es solo un egoísta chiflado. En su película "Tres reyes", se burló de la futura estrella George Clooney. Y mientras filmaba la comedia "Heartbreakers", el director parecía haberse vuelto loco. Se descubrió en el set, se frotó contra hombres y mujeres y exigió en voz alta cambiar las líneas justo durante las tomas. La imprudencia del director se reflejó en un video en YouTube, donde maldice con bastante vigor a la actriz Lily Tomlin. Y una vez que Russell incluso agarró a Christopher Nolan por los senos, que quería atraer a Jude Law de Heartbreakers por su prestigio.

Terry Gilliam (nacido en 1940). Gilliam es escéptica sobre el negocio del cine moderno, abiertamente despectiva del sistema generalmente aceptado en Hollywood. Durante mucho tiempo, el director luchó con Universal por el derecho a finalizar Brasil. Comparó el "rescate" de la cinta por parte de los jefes con el asesinato y los intentos de cortar el brazo o la pierna de su hijo. Como resultado, el director ganó. Pero con "Las aventuras del barón Munchausen" fue menos afortunado. El astuto Gilliam cayó en manos de productores aún más astutos, los hermanos Weinstein. Entonces la imagen salió bastante extraña. El acto loco de Gilliam es ordenar un anuncio en la revista Variety, donde le hizo una pregunta al productor en letras grandes: “Querido Sid Scheinberg, ¿cuándo publicarás mi película Brasil?

Roman Polanski (nacido en 1933). Es extraño que el refugiado más famoso del cine mundial en general conservara al menos los signos externos de la prudencia. Pero Roman perdió a su madre en un campo de concentración, y su esposa embarazada murió a manos del maníaco Charlie Manson. Ahora el director está motivado exclusivamente por su salario. Su amor por el trabajo es lo primero, superando incluso la pasión por el sexo. Arruinó la reputación de Polanski. En 1977, fue acusado de violar a una niña de 13 años, pero después de ser sentenciado, el director polaco huyó de América por Europa. Nunca recibió un permiso para ingresar a los Estados Unidos. De las acciones locas del director en el set, uno puede recordar el caso cuando le arrancó un cabello extra de la cabeza a Feng Dunaway en el set de Chinatown. Es cierto que la actriz luego le pagó a Polanski en su totalidad arrojándole una taza de orina.

David Lynch (b. Este director pudo demostrar que un lugar maravilloso es la mente humana, a veces puede convertirse en un agujero negro. Exteriormente, Lynch es bastante alegre, amigable, aunque excéntrico. Tiene las manos de un músico de jazz y una extraña costumbre de usar un par de corbatas a la vez. Pero las películas de Lynch revelarlo como un fetichista sonámbulo mentalmente inestable. Aunque el director practica la meditación trascendental, en sus películas profundiza en las profundidades de la conciencia humana, explorando diversas formas de miedo y deseos. Quizás no sea tan malo que la Duna de Lynch haya resultado gris, lo que lo asustó lejos de la corriente principal. El director tiene su propia teoría absurda, "el ojo del pato". Afirma que cuando se trabaja en una película, el torso, las piernas y el pico se pueden quitar millones de veces, pero los ojos son un problema. y las mejores películas de Lynch son difíciles, pero las preguntas permanecen en mi cabeza ". El loco deseo de Lynch de nominar a Laura Dern para el Oscar llevó a la aparición de una pancarta en una vaca:" Si no fuera por queso, no había Inland Empire (título de la película).

Ken Russell (1927-2011). Con el tiempo, el director llegó a la conclusión de que simplemente estaba cansado de la realidad. Russell se llama el director-rey. Él abrumaba a todos con su talento, obligando a todos a someterse a su mal genio. Como resultado, los actores sintieron la necesidad de dejar todo en el primer día de filmación, porque su autoestima cambió drásticamente.Russell no tenía miedo de dejar a las estrellas desnudas en el barro frío ("Mujeres enamoradas") o establecer una manada de rinocerontes malvados contra ellas ("Otras caras"). Los actores se afeitaron la cabeza y bebieron ajenjo hasta que aparecieron las alucinaciones. Russell asustó tanto a los jefes de Warner Brothers con su película religiosa The Devils que aún se niegan a publicar esta película. Y en su loco corto "Gatito para Hitler", el director mostró cómo un niño que envió un regalo de Navidad al Fuhrer se convirtió en una pantalla de lámpara.

Tim Burton (nacido. El famoso director siempre se ha sentido atraído por aquellas culturas donde el culto a la muerte es más importante que la vida. Burton es famoso por su extraño estilo gótico. De hecho, no es solo un deseo de trabajar en esta dirección. El director simplemente no parece saber cómo hacer películas simples. trató de trabajar en la corriente principal, luego casi se ahogó con una nueva versión de "Planet of the Apes". Mucho mejor crear, encarnando su visión de dibujos animados de la realidad: no fue en vano que trabajó en el estudio de Disney como animador al comienzo de su carrera. Ahora el director crea mundos surrealistas inusuales. Burton constantemente pone los géneros tradicionales al revés, a veces haciendo parodias (Mars Attacks! y Pee-Wee's Big Adventure), u oscureciendo el horror (Sleepy Hollow, Sweeney Todd). Sin embargo, la primera parte de la tetralogía se considera la mejor película de Burton sobre Batman. En él, el director fue capaz de combinar la teatralidad de los años 60 y la psicología siniestra del cómic original. Como resultado, un poco poco convencional y una importante película de superhéroes como Hollywood nunca ha visto. El pináculo de la locura para Burton fue asociarse con Johnny Depp para la filmación del remake oscuramente azucarado de Charlie y la fábrica de chocolate. En él, Willie Wonka se ha convertido en una especie de monstruo ácido.

Francis Ford Coppola (nacido en 1939). El gran maestro dijo que es imposible crear obras de arte sin arriesgarlo. Es como tratar de tener hijos sin tener relaciones sexuales. Coppola, por un lado, es un hombre de familia ejemplar, por otro, un genio psicópata narcisista. El director anunció felizmente su locura después de 16 meses de filmar Apocalypse Now. En la jungla, el gran equipo tenía suficiente dinero y todo lo demás, como resultado, ella comenzó a enloquecer lentamente. Antes de filmar esta saga vietnamita, Coppola estableció su propia compañía, American Zoetrope, en San Francisco. Con su ayuda, él atravesó la pared del estudio, dejando paso a los jóvenes geeks de los años 70. En los años 80, Coppola se alejó de la corriente principal, experimentando con estilizaciones ("From the Heart" y "Rumble Fish"). Sin embargo, el público no entendió tales intentos. Entonces, por el bien del dinero, Coppola alquiló un pobre "Jack". Y es demasiado pronto para descartar al director: en 2007 regresó con la película "Juventud sin juventud". Es cierto que con los años, Coppola no mejora. La locura del director, filmada íntegramente en el estudio, es el musical romántico From the Whole Heart. Entonces Coppola trató de minimizar los costos. Pero el presupuesto todavía de alguna manera creció de 2 millones a 25 millones, lo que llevó al director a la bancarrota.

William Friedkin (nacido en 1935). Incluso antes del lanzamiento de la película "The Whore", en sus mejores años, Fridkin era conocido como el niño difícil de New Hollywood. Quería escupir en el estudio y criticar. Mientras filmaba The Exorcist, Friedkin literalmente le quitó el alma a sus actrices Linda Blair y Ellen Burstyn. Y el reverendo O'Malley realmente lo atrapó para representar la reacción necesaria en esta toma. Para el director, todo tipo de efectos especiales eran innecesarios, congeló el dormitorio en la película para que saliera vapor de la boca de todo el equipo de filmación. Pero gracias a métodos tan efectivos, la película resultó ser realmente emocionante. Un ejemplo de locura fue el disparo en el aire en el set, que también ayudó a Jason Miller a obtener una expresión de sorpresa en su rostro. ¡Disparar las persecuciones con Fridkin fue una verdadera pesadilla! Para "French Svyaznoy", con la ayuda de un soborno banal, se ganó el derecho de filmar una persecución por carretera. Como resultado, casi toda la escena fue filmada desde un automóvil a una velocidad de 130 km / h durante 26 cuadras. La próxima vez en el set de "To Live and Die in Los Angeles", el director pasó un mes y medio filmando la persecución en el carril que se aproxima en el tráfico de la ciudad.

Stanley Kubrick (1928-1999). Kubrick se hizo famoso como un ardiente perfeccionista. Admiraba la obra de los actores, obligándolos a hacer más y más nuevas tomas. En el set de The Shining, Scatman Crovers rezó para recibir 40 veces de Jack Nicholson con un hacha en el cofre. Los actores suspiraron que un trabajo tan largo en escenas sin ningún progreso era simplemente desmoralizador. No es casualidad que Tom Cruise incluso haya desarrollado una úlcera en el set de Eyes Wide Open. El propio Kubrick tenía los derechos para volar el avión, pero tenía miedo de volar, ya que una vez escuchó las conversaciones de los controladores de tráfico aéreo. El director no viajó a más de 60 km / h, y al transportar una película con una película, incluso se sentó detrás del editor y se escondió detrás de él. Durante la campaña promocional de 2001 de Space Odyssey en Estados Unidos, no se utilizó una sola toma de la película: Kubrick dudaba que la impresión en blanco y negro pudiera transmitir los tonos de color al grado deseado. El director llegó a un acuerdo lucrativo con Warner Brothers, que dio como resultado el 40% de todas las ganancias y un poder sin precedentes para construir grandes pabellones o prohibir la distribución de sus películas en algunos países. Aunque los actores se quejaron de Kubrick, los fines justificaron los medios. Las películas del gran director se convirtieron en un reflejo completo de su mundo interior, y los que lo rodeaban recibieron una experiencia invaluable. Malcolm McDowell recordó que fue golpeado en las costillas en el set de A Clockwork Orange y casi se ahogó en una sopa fría. También recuerdo la famosa escena en la que el actor se vio obligado a no parpadear, apretando sus pestañas con terribles estructuras mecánicas. Como resultado, McDowell se rascó la córnea y una mancha debajo del ojo, y el director solicitó disparar algunas tomas más, "permitiendo" usar el otro ojo.

Werner Herzog (1942). Este director se llama a sí mismo un soldado del cine. De hecho, durante 45 años de su carrera, visitó las partes más diferentes del planeta, en la selva, en un volcán, glaciares. En busca de su verdad, Herzog llegó a extremos como nadie más. En Aguirra, la Ira de Dios, colocó el bote en un árbol, en Fitzcarraldo, ya estaba arrastrando el barco a través de las montañas. Parecía que cuanto más difícil era la tarea, más interesante era para el director. En sus películas, busca la verdad, descuida los hechos y desciende a mundos irreales. Herzog se convirtió en el líder del nuevo cine alemán de los años 70. Viajó mucho, y a los 32 años incluso caminó de Múnich a París para visitar a un amigo enfermo. Herzog se distingue por la indiferencia al peligro. Cuando le dispararon en Los Ángeles, declaró con calma que la bala no significaba nada. Y cuando Herzog se enteró de que un campesino se negaba a abandonar la ladera de un volcán que despertaba, el director inmediatamente fue a filmar una película al respecto. Es bueno que no haya culminación, de lo contrario, en nombre del arte, todo el pequeño equipo de equipos de filmación podría perecer. El director incluso visitó el Polo Sur, filmando un documental no sobre pingüinos, sino sobre locura y traición. Y el director loco eligió a los actores para que coincidan. El mejor "enemigo" fue Klaus Kinski. Logró perfectamente el papel de maníacos narcisistas, siempre murmurando algo. ¿Y si el director y el actor constantemente amenazaban con matarse? Durante el rodaje de Aguirre, Klaus Kinski decidió abandonar el set, pero el director sacó una pistola y prometió disparar 8 balas al actor, y la última a sí mismo. Y luego Kinski se dio cuenta de que Herzog no estaba bromeando. Más tarde, él mismo agregó que esa película era mucho más importante que un par de vidas humanas. Herzog dice que es fácil con personas talentosas, pero que la mayoría de las estrellas no trabajarían con él. ¿Quién estaría de acuerdo en rodar en una cinta de bajo presupuesto, e incluso a riesgo de sus vidas? Pero Christian Bale acordó perder peso, como un esqueleto para el "maquinista", y para "Saving Dawn", incluso estaba listo para comer una serpiente viva. Todo terminó con una lucha seria y la mordedura de un actor en el hombro. Bale mismo dice que Herzog puede llevarlo al infierno y traerlo de vuelta. Es sorprendente que el director intente apoyar a sus actores en este viaje. ¡Bale perdió 25 kilogramos y Herzog, por solidaridad, 13!

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